domingo, 30 de octubre de 2011

Papá, papá ¿Dónde tienes esos cuentos de Tintín de los que me hablabas ayer?".


Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (2011)

Soy tintinólogo. No oculto mi condición, es más, la llevo con orgullo, y nunca olvido que una parte significativa de mi educación lectora se la debo a Hergé. Tengo todos los cómics de Tintín. Todos ellos recopilados durante mi niñez. Pequeñas joyitas, coleguitas de infancia, leídos y releídos. Vamos, las típicas cosas que uno guarda con firmeza.

Tintín no volaba, no tenía visión de rayos X, ni tenía una fuerza descomunal. Ni falta que le hacía.Tintín era un simple reportero con el olfato siempre a punto... y que además tuvo la suerte de vivir en una época en la que el romanticismo era un concepto todavía vivo. Una época en la que la red de redes no era ni siquiera un proyecto, y en la que las bibliotecas eran la elección predilecta de todo buen sabueso. Una época en la que con una triste moneda podían adquirirse auténticos tesoros; en la que hasta los criminales más ruines vestían elegantemente y en la que el exotismo aún no había perdido su capacidad para maravillar, al existir todavía lugares que esperaban ser descubiertos

Por esto esta adaptación para mi y para los que hayan tenido a Tintín como parte de su infancia, se trata de magistral, magnífica y no alcanzo a creer como podría ser superada. Me explico:Para empezar, el detalle del principio con Hergé, como en cualquier tomo (los tintinólogos saben de lo que hablo) es genial, sutil y todo un homenaje que se merece.
La caracterización de los personajes es, sencillamente espectacular, hasta el más mínimo personaje está calcado igual que el libro con precisión cirujana, incluida la portera del protagonista!!! Y eso no es todo, los diálogos también, y lo más importante: si estamos alerta podremos ver INFINIDAD de detalles espectaculares referente las otras aventuras del reportero, todo tiene su sentido de una u otra forma.

Y es que el Tintín de Spielberg podría ser un Indiana Jones, pero no, es Tintín. Y se nota que es Tintín, porque con un ritmo tan frenético de película, casi visceral, el contenido de la historia es acertado y denso, dando a las aventuras un toque de intriga más del cine de espías, algo que siempre ha caracterizado a Tintín, que era un aventurero que pensaba y razonaba.
Estamos ante una película de aventuras, y no me canso de repetirlo, diseñada para que en cada imagen nos quedemos prendados y con la boca abierta, con un guión espléndido, una adaptación fiel, unos personajes llenos y ricos en detalles.
En resumen: una genial película en todos los sentidos, con una historia muy entretenida, con un gran aire ochentero que recuerda a las geniales películas de aventuras de esa época y que cuenta con un increíble apartado técnico. Muy recomendable.

Ah! Otra cosa! Lo mejor a la mañana siguiente: 9 de la mañana del domingo, en la cama completamente dormido, empiezo a escuchar a mi hijo de 8 años entre sueños, abro un ojo medio dormido y:-. “Papá, papá ¿Dónde tienes esos cuentos de Tintín de los que me hablabas ayer?".

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn
AÑO 2011
DURACIÓN 107 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR Steven Spielberg
GUIÓN Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish (Cómic: Hergé
MÚSICA John Williams
FOTOGRAFÍA Animation
REPARTO Animation, Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Mays, Toby Jones, Enn Reite, Joe Starr, Mackenzie Crook, Kim Stengel, Gad Elmaleh, Tony Curran, Cary Elwes, Sebastian Roché



jueves, 27 de octubre de 2011

Crucemos Abbey Road


ABBEY ROAD (1969)


Los Beatles fantasearon con varios nombres para el que sería su última obra de estudio, al final terminaron por inclinarse por bautizarlo como la calle en donde se encontraba el estudio de grabación en donde gestaron un enorme porcentaje de su legado.

Algunos de los temas datan del viaje a la India en 1967 y muchos de ellos fueron ensayados durante las sesiones de “Let it be“.

Paul habló con George Martin para pedirle su colaboración en este disco. Querían hacer un disco “como antes”, para marcar una diferencia respecto a las traumáticas sesiones de “Let it be“. Martin aceptó, a condición de tener total autoridad durante las sesiones. También convencieron a Geoff Emerick, el ingeniero de sonido de Revolver, Sargent Pepper, Magical Mistery Tour y parte del Álbum Blanco, que había decidido no trabajar nunca más con el grupo tras soportar las constantes peleas.

Los Beatles usaron, por primera vez, un sintetizador Moog. Era este un equipo comprado por George Harrison en los Estados Unidos en 1968 (y usado por él en un proyecto solista) que requería de todo un trabajo para ser programado.
George tocó el Moog en Oh Darling, Octopus´s garden, Here comes the sun y Because.
 John lo hizo en I want you (she is so heavy) y Paul en Maxwell Silver Hammer.

John no tocó en todas las canciones, se perdió las primeras semanas de grabación por haber tenido un accidente automovilístico junto a Yoko. Como resultado del accidente, Yoko tuvo que guardar reposo. John, que no estaba dispuesto a separarse de ella, hizo que se instalara en pleno estudio de grabación ¡una cama!. Pidió también que le acercaran un micrófono conectado directamente al centro de control, en caso de que Yoko tuviera alguna recomendación que hacer. Esto no hizo más que sumar negativamente a la ya difícil incomodidad por la sempiterna presencia de la japonesa invadiendo el espacio del grupo.

A pesar de esto parece ser que el clima de las sesiones fue bueno en general, mucho mejor que durante el Álbum Blanco o Let it be.

En Anthology documental de más de diez horas de duración en la que de forma cronológica se narra la historia de los Beatles a través de una serie de entrevistas, Paul, George y Ringo dicen que sabían que Abbey Road iba a ser su última obra conjunta. La historia dice algo diferente, ya que ni siquiera con el anuncio de la partida de John realmente creyeron que los Beatles habían finalizado.
 De hecho, hasta esa reunión en donde John pidió el divorcio, Paul insistía con que programaran una gira pequeña para tocar en lugares con muy poco público para recuperar su esencia

LA FAMOSA PORTADA

Alrededor del mediodía del 8 de agosto de 1969, los cuatro Beatles y el fotógrafo Ian McMillan salieron a la calle para realizar la sesión fotográfica que daría como resultado la mítica portada.

La calle Abbey es muy transitada. Para poder contar con el tiempo y tranquilidad necesaria para las tomas, un policía colaboró cerrando la calle por unos 10 minutos.

McMillan se colocó con su cámara a cierta altura de la calle, tomando un ángulo que difícilmente pueda reproducirse sin la ayuda del corte de vehículos. Se tomaron un total de 6 fotos del cruce, una de las cuales fue luego seleccionada por Paul para ser la de la portada.




lunes, 24 de octubre de 2011

El RITO-BODRIO


EL RITO (2011)



Uno de esos tristes ejemplos que de vez en cuando ocurren en los que director y estrella de Hollywood se ponen al servicio de la productora, y acaban realizando un producto bien masticadito para el público palomitero pero sin profundidad alguna.


Y es que ver a Hopkins metido en la piel de este cura experto en exorcismos que intenta enseñar a un pupilo agnóstico da hasta un poco de grima. Él, que ha sido uno de los villanos más aterradores de la historia del cine, se ve abocado en un film bastante tibio, sin mucha intriga y menos sustos, donde hasta se tiene que poner al servicio del maquillaje en el tramo final. Aún así, hasta este Hopkins desganado esta muy por encima del resto del elenco. Al fin y al cabo la película está diseñada para su (des)lucimiento


FICHA TÉCNICA


TÍTULO ORIGINAL The Rite

AÑO 2011

DURACIÓN 112 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR Mikael Håfström (AKA Mikael Hafström)

GUIÓN Michael Petroni (Novela: Matt Baglio)

MÚSICA Alex Heffes

FOTOGRAFÍA Ben Davis

REPARTO Anthony Hopkins, Alice Braga, Ciaran Hinds, Toby Jones, Colin O'Donoghue, Rutger Hauer








jueves, 20 de octubre de 2011

Hordas de fanáticos Animales


"The Complete Animals" (1990)





The Animals, grupo que a mediados de la década de los 60 conseguía una extrema popularidad con "The House Of The Rising Sun",es de las bandas británicas surgidas durante la primera mitad de la década e influenciadas por la música negra norteamericana, junto a los Rolling Stones indispensables y vigentes hoy día.


La génesis se debe buscar en Newcastle. En 1962, el organista Alan Price (que ya había formado The Alan Price Combo) conecta con Burdon, estudiante de fotografía, fanático de los discos de "blues", y poseedor de una fantástica voz para interpretarlos. Ambos reúnen más músicos: el guitarrista Hilton Valentine, el batería John Steel y el bajista Chas Chandler.


Deciden denominarse The Animals debido a la puesta en escena auténticamente salvaje y a la demoníaca manera de interpretar el rhythm and blues. En sucios y vibrantes antros de perdición, como el Downbeat o el Club A Go Go de Newcastle, interpretan, con estilo único, un repertorio completamente negro: Ray Charles, Jimmy Reed, Chuck Berry, John Lee Hooker... El Antiguo Testamento del rock! Mickie Most, aspirante a productor, les propone la grabación de un disco.



A principios del 64 empieza un periodo de esplendor. Efímero, pero brillante, puesto que durante 18 meses Most los graba un puñado de excelentes piezas que se editaron en "singles" o "extended plays" (los ya extinguidos discos pequeños de cuatro canciones). Se trata de composiciones, la mayoría de las cuales son versiones copiadas a los grandes maestros negros. Pero adquieren una forma única al ser interpretadas con la profunda voz de Burdon y abrigadas por los teclados precisos de Price. Una intrépida versión de la pieza tradicional norteamericana "Baby Let Me Take You Home" fue el primer éxito sencillo. Poco después, otra canción folk, "The House Of The Rising Sun", competía en llegar a la cumbre de las listas con los Beatles. En cuestión de semanas, gracias a unos simples pero dramáticos arreglos, "The House Of..." dio la vuelta al mundo.


Hay una serie de intérpretes (la mayoría británicos y de la época 64-67) que desarrollaron su carrera musical en "singles", sin tener en cuenta el concepto y el formado álbum. Ejemplos muy claros de esto podrían ser los tempranos Rolling Stones, Kinks o The Spencer Davis Group... The Animals forma parte de este listado.


Durante el corto periodo de tiempo en qué la banda funcionó, grabaron tres elepés: "The Animals" (1964), "Animal Tracks" (1965) y "Animalism" (1966). Los tres son espléndidos.


"The Complete Animals" (EMI, 1990), doble CD que recoge todas las canciones producidas por Mickie Most, incluyendo material previamente no editado e, incluso, un anuncio para la radio en el cual los miembros de la banda desean muchos años a las hordas de fanáticos animales. En "The Complete Animals" encontramos las 40 piezas que grabaron durante el periodo comprendido entre abril del 64 y octubre del 65; para mi la mejor época. Con simplicidad exquisita, sin edulcoración ni ornamentación, figuran las versiones de piezas de Ray Charles (el gran ídolo de Burdon): "Hallelujah I Love Her So", "I Believe To My Soul" o "Talkin' 'Bout You". Maravillosas lecturas de John Lee Hooker: "Boom Boom", "I'm Mad Again"... Recreaciones de clásicos de Chuck Berry: "Around And Around" o "Memphis Tennessee". Y devora interpretaciones de piezas de Sam Cooke, Fats Domino y Bo Diddley, encontramos las canciones escritas por Burdon y Alan Price: "I'm Crying", "Club-A-GoGo" o la valiosa "For Miss Caulker".

Un recorrido frenético y delicioso con cargo a una de las más estimulantes bandas de rhythm and blues de los años 60.





domingo, 16 de octubre de 2011

"vale más una imagen que mil palabras"


BARAKA (1992)

En ocasiones hay películas que al verlas parece como si las imágenes traspasaran la pantalla y te contagiaran de algo especial, como si al acabar te quedaras impregnado de algo invisible….

Imágenes y una inmejorable banda sonora es todo lo que encontraremos en esta película, acaso hace falta más?¿Historia?: Nuestra historia como humanidad.

Baraka es un documento visual sobre la vida en nuestro planeta, intentando reflejar la interacción existente entre el hombre y el mundo que le rodea.

La relación Humanidad-Naturaleza contada desde sus inicios hasta hoy en día, y sin una palabra, sólo imágenes que te sensibilizan y una banda sonora que es un complemento perfecto.

Baraka tiene un claro mensaje de "denuncia" por las consecuencias (ya palpables hoy en día) de este mundo globalizado, muestra al hombre como el ser libre que fue concebido por Dios o la naturaleza (dependiendo de si eres creyente o no), pero también nos muestra al hombre automatizado, casi digitalizado, analógico a una máquina más.

Rodada en 70 mm, tardaron más de 7 años en realizarla, y el esfuerzo les valió la pena puesto que nos legaron una joya.

Aquí es donde se cumple el dicho: "vale más una imagen que mil palabras".

DEBERÍA SER OBLIGATORIO EL QUE LOS NIÑOS LA VIERAN EN LOS COLEGIOS.


FICHA TÉCNICA



TÍTULO ORIGINAL Baraka

AÑO 1992

DURACIÓN 94 min

PAÍS EEUU

DIRECTOR Ron Fricke

GUIÓN Ron Fricke, Genevieve Nicholas, Mark Magidsen, Bob Green

MÚSICA Varios

FOTOGRAFÍA Ron Fricke






jueves, 13 de octubre de 2011

Hermano Lennon


"The John Lennon Collection" 1982

Soy confeso Beatlemaniaco, no lo voy a negar, y por eso pienso que John fue el alma de los Beatles. Hoy no me voy a meter con Yoko. Sería muy fácil culparla de la ruptura del grupo... Pero desde el sosiego y la tranquilidad, me alegro de que Yoko apareciese en la vida de John. Si Yoko no hubiese influido en la ruptura, ¿cuánto tiempo creéis que los egos hubiesen tardado en romper al grupo?.

Bueno vamos a los que vamos, "The John Lennon Collection", es un recopilatorio publicado en el 82, y esta es mi humilde opinión sobre algunos de los temas que lo forma.

Para abrir boca el CD nos presenta Give Peace a Chance, canción comúnmente atribuida a Lennon-McCartney, pero que el mismo Paul reconoció en los 90 que era puramente made in Lennon. El tema pertenece al ya mítico Plastic Ono Band, publicado antes de la separación de The Beatles. Un tema de fuerte carga pacifista. Fue compuesto en aquella week-in-bed que compartieron Yoko y John en compañía de la prensa, como protesta ante la guerra de Vietnam.

Instant Karma! es el segundo tema del álbum, también conocida como We All Shine On, tema que dio nombre al mítico "The Shining" y que fue un hito de la producción musical, en cuanto a la velocidad en que fe creada, pasaron aproximadamente 10 días desde que se compuso hasta que fue publicada, Lennon solía decir en las entrevistas algo así como, "escrita para desayunar, grabada para comer y la publicamos para cenar".

Tras Happy Xmas, nos encontramos con el himno pacifista IMAGINE, Lenny Kravitz (Beatles fan y músico) dijo una vez: "Imagine es una de las mejores canciones de la historia, un himno religioso en el que deja claro todo aquello en lo que creía (Lennon)" un tema universalmente conocido del que poco puedo decir que no sepáis.

Tras Imagine, reconocemos las primeras notas de la que es una de las mejores canciones de Lennon “Jealous Guy”. Que difíciles son las mujeres...

La undécima es la archiconocida "Stand by me". El tema, de Ben E. King, fue versionado de manera esplendida por Lennon, existen muchas versiones, yo me quedo con esta...

Y después de (Just Like) Starting Over nos encontramos con Woman, una oda a Yoko, como curiosidad, mencionar que en una entrevista para la Rolling Stone, Lennon afirmó que Woman era una versión "crecida" de la mítica Girl del cuarteto de Liverpool. En Dear Yoko, vemos de nuevo, quien ha sido la mayor fuente de inspiración de Lennon en solitario.. y por ultimo Cold Turkey, canción ,llena de fuerza y de estilos musicales que cierra el disco de una manera inmejorable.

Las imágenes de portada y contraportada, fueron tomadas en 8 de diciembre del 80..el mismo día que Lennon fue asesinado en la puerta de su casa...tal vez por esto siempre digo que los 80 es una de las décadas que menos me gusta..tal vez porque no pudieron empezar con peor pie.





lunes, 10 de octubre de 2011

¿Poco arriesgado? Sí. Pero funciona.


THE FIGHTER (2010)

No vas a encontrar en "The Fighter" nada que no hayas visto antes Lo sorprendente es que tampoco importa.

El protagonista principal es Mark Wahlberg, que interpreta a Micky. Sin embargo el que borda su papel empequeñeciendo a Wahlberg es Christian Bale, que hace de Dicky. Una actuación portentosa interpretando a un personaje locuaz, ligeramente perturbado por su relación con las drogas. Ya desde el comienzo empieza a hacerse notar frente al habitual inexpresivo Wahlberg, aunque en este caso se aleja de la mediocridad cumpliendo un decente papel.

Creo que es difícil, pero si pudiera resumirse la historia de la película en dos palabras, éstas serían “decepción” y “familia”.

Porque eso de lo que va “The Fighter”, una historia en la que un boxeador llamado Micky Ward (Mark Wahlberg) combate una vez tras otra intentando ganar combates para conseguir dinero y prosperar, junto a su hermano Dicky Eklund (Christian Bale), adicto al crack, que hace las veces de su entrenador. Aparte, la madre y las hermanas de éstos, presionan constantemente a Micky, empujándole a un mundo difícil de abandonar.

La estética visual de la película está bastante conseguida en su objetivo de generar una imagen no tan pulida (se imitan emisiones televisivas deportivas y documentales de HBO, donde evidentemente la calidad y el tratamiento de la imagen es muy distinto al del cine.

El resultado, el esperado. ¿Poco arriesgado? Sí. Pero funciona.


FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Fighter

AÑO 2010

DURACIÓN 115 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR David O. Russell

GUIÓN Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson (Historia: Paul Tamasy, Eric Johnson, Keith Dorrington)

MÚSICA Michael Brook

FOTOGRAFÍA Hoyte Van Hoytema

REPARTO Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Robert Wahlberg, Jack McGee, Dendrie Taylor, Jenna Lamia, Bianca Hunter, Sue Costello, Salvatore Santone, Erica McDermott, Sean Patrick Doherty





jueves, 6 de octubre de 2011

"Cuando las proporciones de la música eran otras."


Country Joe And the Fish
Electric Music For The Mind And Body (1967)


Joe McDonald, activista de izquierdas antes y después de pasar un período en la Marina, llegó a San Francisco como estudiante, pero rápidamente se vio absorbido por la escena folk y la Action Jug Band (también conocida como Country joe an The Fish con fines discográficos, un nombre que invocaba a Stalin y Mao). No fue hasta el verano de 1966 cuando la banda comenzó a sustituir los instrumentos de folk por guitarras eléctricas, y gracias a su segundo maxi single el grupo fue contratado por el sello de folk y música clásica Vanguard con base en Nueva York, que había contemplado como su rival Elektra se transformaba en una marca creible de rock.

Por aquel entonces San Francisco era un semillero de estudiantes radicales, estimulados por el LSD y la política, pero aquel clima no se extendía más allá de los límites de la ciudad. Musicalmente, la psicodélia se encontraba en una fase temprana, con unas cuantas bandas conscientes de las posibilidades que el año 1967 ofrecería. El LP de The Fish abrió las puertas a todo aquel que quiso cruzarlas durantes los años siguientes, pese que al sello discográfico insistio en la ausencia de la canción más popular en directo del grupo: "I Feel Like I'm Fixin' To Die Rag".

Entreverado del ácido y de ritmos ácidos. Electric Music es uno de los productos más cohesivos del verano del amor y de la generación hippie; las guitarras oscilan entre el relax y la crispación; las letras contienen ataque satíricos contra Lyndon Johnson ("Superbird") y epopeyas sobre las drogas ("Bass Strings"); hay blues, folk o rock para satisfacer todos los gustos. Y a raíz de él, el clima del país, su población joven y su música cambiaron. lo cual no es moco de pavo.










domingo, 2 de octubre de 2011

Ternura magullada


Let's Get Lost (1988)


-¿Recordarás estos días como algo bonito?- le pregunta Bruce Weber al trompetista. -Diablos - responde - no puede ser de otro modo- y, pensativo, concluye: "Aún así, esto ha sido un sueño... Estas cosas no suceden en la vida real.


Ternura magullada, una mano que aprieta casi imperceptiblemente un hombro; pasear en la puesta de sol; rozar una rodilla…. Calidez sería la palabra.

Su ritmo pausado, tan cercano a la canción de cuna, te acaba envolviendo te atrapa entre los susurros de su voz y su trompeta, acaricia.

Encantador, manipulador, entrañable, egoísta, víctima y verdugo.... los susurros no dejan que te decidas por ningún sentimiento.

En rabioso y acertado blanco y negro, historia del Jazz en estado puro, la narración de Bruce Weber, es un pulso entre las respuestas de las ex-mujeres de Chet y la posibilidad de ver la diferencia entre versiones de los hechos y la de las otras personas que lo vivieron... al sonar la música de Chet Baker se puede entender el personaje y apreciar la tristeza, la belleza…..

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Let's Get Lost

AÑO 1988

DURACIÓN 120 min

PAÍS EEUU

DIRECTOR Bruce Weber

GUIÓN Bruce Weber

MÚSICA Chet Baker & Varios (Jazz)

FOTOGRAFÍA Jeff Preiss

REPARTO Documentary, Chet Baker